5-Siglos XIII y XIV – Ars antiqua – Ars nova


Historia de la música culta  www.hispanoteca.eu - © Justo Fernández López


Siglo XIII – Ars antigua (1250-1320)

Se llama Ars Nova a la musica mensurata anterior a Felipe de Vitry y a la época de la Ars Nova.

Es difícil delimitar la música de la Ars Antiqua de la escuela de Notre Dame. Ambas cultivan las mismas formas musicales. En esta época se termina el dominio de la concepción neopitagórica de la música (música matemática) y comienza a dominar la concepción aristotélica empírica (Aristóteles acaba de ser descubierto). La música ya no será expresión espiritual d la armonía celestial, sino que será lo que agrada al oído. Contra la concepción mística de la música viene ahora la empírica (Agustín y Platón contra Aristóteles y Santo Tomás).

La música de Notre Dame se basaba aún en el ritmo modal: la base eran los pies largos o cortos del verso, no la duración larga o corta de cada nota. El ritmo modal tenía un flujo unitario, como lo tendrá luego en Bach. Pero el nuevo motete de la Ars Antiqua era más complicado, con varias voces y melodías diferentes.

Franco de Colonia creó la musica mensurata. Por analogía con la Trinidad, dio a las notas un valor triple (a excepción de la maxima): longa, brevis, semibrevis, maxima. El Ars Antiqua cultiva los mismos géneros musicales que la Escuela de Notre Dame:

 

 Organum

Organa dupla, tripla y quadrupla se siguen cultivando, pero las nuevas creaciones son cada vez más raras.

 

 Conductus

El conductus es muy apreciado aún, pero lo va desplazando el motete. A veces el conductus tiene molodías trovadorescas.

 Motetus

A diferencia de Notre Dame, el motete del Ars Antiqua ya está completamente independizado de la cláusula.

El motete es una cláusula compuesta de nuevo para parafrasear al tenor. El motete en el Ars Antiqua rompió el monopolio de la melismática del gregoriano definitivamente e introdujo un arte donde el tono está pegado a la palabra. Algo así era el conductus y, compuesto libremente en todas las voces. Pero el motete toma ahora la base en un trozo del coral y la da más ritmo y esquematismo. Sobre el tenor se pone el duplum, triplum, quadruplum, etc. Pero ahora la uniformidad de las voces altas se diferencia por tener textos diferentes, a veces en lengua vernácula y con tema profano (canción/danza) y con más ritmo.

El motete del Ars Angiqua tiene diversos textos, diversos ritmos y está en diversas lenguas, con melodías diferentes. Los textos diferentes comentan la melodía del tenor: EL tenor alaba a los sacerdotes buenos, las otras voces condenan a los malos. Por primera vez surge un sonido mixto, un conjunto de voces y sonidos, donde no es necesario oír cada melodía por separado, sino el cuadro entero musical: arquitectura musical del gótico.

El motete es el arte gótico destinado a llenas las inmensas catedrales de sonido, luz y espacio. Con la construcción arquitectónica vertical de la polifonía gótica se interrumpe la tradición de la música gregoriana con su línea horizontal ondulatoria y melismática.

El Ars Antiqua se va separando cada vez más del principio de simetría. Comienza la mezcla de sonido, de voces solistas e instrumentos. Como el tenor tenía aún cierto apoyo en el gregoriano, le faltan los tonos bajos a esta polifonía (el tenor era la voz más baja, pero era aún la “voz cantante”. Así el motete del siglo XIII y XIV tiene solo altos. En el siglo XV se comienza a aumentar los bajos, lo que produce un cambio de dirección en la composición musical polifónica.

La invención de textos es la innovación del motete. Es por eso que el motete es una creación tanto musical como literaria. Primero se cantó al final de la misa en latín, como parte no litúrgica. Poco a poco se fue independizando, tomando textos en lengua vernácula, volviéndose profano, para tomar al final matriz erótico. Se cantó luego por solistas fuera de la iglesia, con acompañamiento de instrumentos. La voz de tenor no recibió texto propio, sino que se fue ejecutando cada vez más con instrumentos.

Importante es que, al ser cantado en diversas lenguas al mismo tiempo, no era necesario entender el texto, lo que llevó a la independencia del sonido en sí frente al texto. La construcción racional musical (arquitectura polifónica) era así lo más importante.

 

 Hoquetus

Ya en Notre Dame tenemos que una voz hace pausa, mientras que la otra sigue, etc. Las pausas se suceden entre voz y voz. A esta forma “pausada” de cantar se le llamó hoquetus o truncatio vocis (palabra que viene del francés y significa hipo). El hoquetus introdujo cierto virtuosismo en las composiciones. Lo que era una forma nueva dentro de la composición, se convirtió luego en género independiente.

 Rondeau

Ya en Notre Dame existía el rondellus que cantaban los niños del coro en el patio del convento para “entrar en calor”, por así decir. El estribillo o refrán se repetía después de dos estrofas (couplets). Si en el conductus la voz principal la llevaba la voz baja, ahora empieza la melodía principal a independizarse del tenor y va en el centro, siendo acompañada por las otras voces por abajo y por arriba. Es el primer paso para la canción (Lied alemana) moderna que se pone de moda en el siglo XIV.

La musica mensurata  y la notación del Ars Antiqua siguió en uso hasta que en el 1600 comenzó a ser sustituida por la corma moderna de compás.

Siglo XIV – Ars Nova (1320)

Ars antiqua y Ars nova (‘arte antiguo’ y ‘arte nuevo’) son términos utilizados por algunos teóricos de comienzos del siglo XIV para distinguir las técnicas musicales de su tiempo (Ars nova) de la de los siglos precedentes (Ars antiqua).

El Ars antiqua fue creada por los tres músicos teóricos de la segunda mitad del siglo XII: Franco de Colonia, el maestro Lambertus y Petrus de Cruce. En el Ars antiqua se utilizaban las formas del organum, conductus, motete, cantilena y hoquetus. Usaba las figuras larga, breve y semibreve, cada figura se dividía en otras tres de menor valor. Utilizaba seis modelos rítmicos básicos: modos rítmicos.

El Ars antiqua incluye toda la música polifónica desde finales del siglo XII hasta finales del XIII: Escuela de Notre Dame (1160-1260) con los compositores Leoninus y Pérotin y el periodo posterior (1260-1320), tras el cual comienza el Ars nova.

En 1322, Philippe de Vitry publica su tratado titulado Ars nova. El Ars nova surge en un tiempo nuevo de decadencia de la caballería, el florecimiento de la burguesía ciudadana, la peste, la mística disuelve a la Escolástica, en filosofía el nominalismo (vox = flatus vocis) se aleja de la escolástica. Es un siglo de contrastes sociales en un mundo nuevo. La mayor secularización de la sociedad dio importancia a formas profanas como la chanson.

El Ars nova es específica de Francia, con el centro en París y corresponde al periodo de esplendor ornamental del gótico.

El Ars nova se distingue del Ars antiqua por las siguientes características:

 

Desaparece la homofonía (conjunto de voces que cantan al unísono, o de sonidos simultáneos), que sigue solo en la corte, en la música de los trovadores y en la música popular.

La música europea será en adelante polifónica.

Aumenta la preferencia por las complicaciones rítmicas: el motete tendrá periodos isomorfos con isoritmo.

La música profana predomina sobre la religiosa.

Nuevo sistema mensural y de notación.

Frente al sistema ternario del Ars antiqua (cada nota contenía tres veces a la otra), Vitry introdujo la división binaria actual: cada nota es divisible por dos. A partir del Ars nova el compás binario está en igualdad con el ternario (perfecto).

Se inicia la validez de las escalas de los modos modernos: mayor (durus = DUR) y menos (mollis = Moll), que irán desplazando a los modos gregorianos antiguos. Se empieza a confiar una voz a un instrumento. Los cantores se reúnen en gremios al pasar la música de los trovadores-caballeros a los ciudadanos. Más tarde vendrán los Meistersinger o maestros cantores y las competiciones musicales.

El motete tiene unas voces con textos diferentes. El compositor crea melodías, en vez de limitarse a tejer contrapuntos sobre el cantus firmus gregoriano (conductus). Los motetes son composiciones libres. El ritmo tiene dinamismo, está igualado (isoritmo). La división en periodos iguales no tiene en cuenta la melodía ni el texto en sí. Los valores de las notas de los periodos son iguales. El motete isorítmico será el género musical que perdurará 150 años.

El compositor es creador de algo nuevo. El tenor es el que determina la estructura, largura y valor de la nota del motete entero. El texto y las voces altas comentan la línea del tenor. Se componen con predilección cantilenas: balada (aab – c), virelai (estribillo aab – estribillo), rondos (ab – aa – ab – ab).

En cuanto a los instrumentos, el tenor que hacía la voz baja llegaba solamente hasta el DO (C), por eso faltan los instrumentos de tono bajo. Los portadores de la armonía son la trompeta y la tromba de varas. Hay una bizarra combinación de colores tonales que lleva al “sonido disociado” del siglo XIV. Junto a los instrumentos del Ars antiqua, está ahora el laúd melódico y el clavicímbalo, junto con el órgano positivo.

Guillaume de Machaut (1330-1377)

El francés Guillaume de Machaut fue compositor y poeta y principal exponente del movimiento de modernización musical conocido como Ars nova. Es el continuador de Vitry y compone por primera vez una misa a cuatro voces. Es el primero en poner polifonía al ordinario de la misa, que antes siempre se cantaba en gregoriano.

Entre 1323 y 1340, Machaut fue capellán y secretario del rey de Bohemia Juan de Luxemburgo, y más tarde trabajó al servicio de la duquesa de Normandía y de Carlos V de Navarra. En 1337 fue nombrado canónigo de la catedral de Reims. Sus largos poemas narrativos y didácticos reflejan el ambiente de la corte de aquella época. Sus poemas líricos más breves contribuyeron a crear el rondeau, la balada y el virelai, formas poéticas vigentes durante más de un siglo. Casi todos los virelais con acompañamiento musical son monofónicos (a una voz). Sus baladas y rondeau polifónicos (a dos o tres voces) también crearon un nuevo estilo europeo de canto con una melodía aguda acompañada por dos partes instrumentales más graves. Estas composiciones son isorrítmicas, es decir, se basan en ciclos melódicos y rítmicos independientes que se solapan.

Las novedades que introduce Machaut:

 

La voz alta es la cantilena, que lleva la melodía.

La voz del medio es la del tenor.

La voz baja es el contratenor.

La voz alta es la principal, la más viva y la que lleva la melodía que queda en el oído; así siguió hasta hoy. La voz alta lleva el peso del texto, las otras pueden ser sustituidas por un instrumento.

Juan XXII (1245-1334), segundo de los papas de Aviñón (1316-1334), promulga en 1325 una bula condenando la Ars nova y pidiendo volver a la monodia clásica y a la polifonía antigua, permitiendo solamente las octavas, las quintas y las cuartas puras consonantes.

La polifonía Italia en Inglaterra en el siglo XIV

En Italia comienza la polifonía en el siglo XIV con el Trecento en Florencia. Muestra resistencia al Ars nova. Su género básico es el madrigal sobre textos de Petrarca, Dante y Bocaccio. Es una música dulce y suave. Otros dos géneros, mezcla de vocal e instrumental, son la ballata y la cacica. El maestro del trecento italiano es Francesco Landini (1324-1397) de Florencia.

Los ingleses tenían quizá polifonía antes que ninguna otra nación, es posible que su folclore fuera la fuente de su polifonía. Conocían ya dúos con intervalos de tercera; tenían predilección por la quinta y la tercera. El faux bourdon es el discantus inglés. Junto a la polifonía de Languedoc y el dulce madrigal del trecento italiano, la música inglesa representaba un nuevo sentimiento del sonido.